В эпоху различных алгоритмов искусственного интеллекта, когда вместо человека рисовать пытается сервер, делая некую компиляцию из работ прежних авторов, отношения между искусством и социальными сетями сложны, зачастую противоречивы. Многие художники чувствуют опустошение от платформ соцсетей, которые потом всё равно используют для публикации своих работ. Они наблюдают, как их творения собирают лайки, и ощущают небольшой выброс дофамина, который обеспечивают им эти виртуальные «сердечки». Но многие осознают опасность привязки своего творческого удовлетворения к внешней системе, призванной монетизировать внимание публики.
Искусство всегда обладало способностью провоцировать — будь то восхищение, замешательство, оскорбление или споры. Но когда произведение становится спорным? Ответ не в том, считает ли его кто-то безвкусным или неуместным. Скорее, спор возникает, когда произведение вызывает серьёзные разногласия среди широкой публики. Речь идёт не обязательно о моральном возмущении, а о публичном дискурсе: спорном значении, размытых границах или неразрешённом дискомфорте. Важно отметить, что полемика не статична. То, что одно поколение считает трансгрессивным, может стать основополагающим для следующего. Вспомним «Салон отверженных» 1863 года, где были представлены работы, отвергнутые Парижским салоном, включая работы Эдуара Мане, и которые шокировали критиков и публику. Сегодня эти же художники играют центральную роль в нарративе модернизма. В таких случаях некогда провокационные работы включаются в канон, а их спорный статус переосмысливается, как часть их исторической значимости.
Но противоречия не всегда очевидны или универсальны. Полезная стратегия для оценки того, где произведение становится спорным, — это проследить градиент общественного согласия. Начните с художественных практик, широко принятых в разных культурах и институциях, а затем постепенно двигайтесь к более спорным областям. Где-то на этом пути вы достигнете точки, где мнения резко разделятся, где нет консенсуса большинства относительно того, является ли что-то законным, ценным или даже терпимым. Часто это и есть порог противоречий.
Это упражнение раскрывает важнейшую истину: противоречия заложены не в самом произведении, а во взаимоотношениях между произведением, зрителем и контекстом. Даже намерение художника, хотя и значимое, не может разрешить противоречия, поскольку смысл искусства определяется его восприятием. Например, работа, исследующая образ тела через откровенно сексуальный автопортрет, может быть воспринята одними как вдохновляющая, а другими – как неуместная или эксплуатирующая. Если изображён несовершеннолетний, даже если он изображён символически или как вымышленный персонаж, реакции, вероятно, будут расходиться ещё сильнее. В таких случаях сталкиваются вопросы субъектности, вреда, согласия и репрезентации. Серые зоны имеют значение. Где-то между провокацией и вредом, между самовыражением и эксплуатацией, находится территория, где разворачиваются противоречия. Искусство, остающееся в чётко определённых границах, может быть легче классифицировать, но редко вызывает столь же интенсивную общественную рефлексию. Именно в противоречиях искусство часто начинает приобретать значение, разрушая устоявшиеся представления, требуя критического отношения, проверяя границы того, что мы принимаем и почему.
Таким образом, понимание противоречий заключается не столько в установлении границ, сколько в наблюдении за тем, где они размываются. Именно в такие моменты дискуссии обостряются, ценности сталкиваются, и само определение искусства становится предметом споров. Вместо того чтобы пытаться раз и навсегда зафиксировать эти границы, нам стоит задуматься о том, что раскрывает эта полемика о произведении, о художнике и, прежде всего, о нас самих. Но это всё касается людей. А вот как быть с неким плагиатом, который создаётся искусственным разумом, а потом постится в соцсетях. Некоторые художники узнают в этих компиляциях те элементы и оригинальные решения, которые они применяли в своих работах.
Так почему же художники делятся своими работами в социальных сетях? Мотивы их понятны. Социальные сети обеспечивают охват, видимость и связь (особенно для начинающих авторов). Они создают иллюзию доступной глобальной аудитории, где каждый может быть обнаружен. Живописцы используют эти платформы по разным причинам: для создания портфолио, продажи работ, документирования своего творчества или просто для получения отзывов. Для тех, у кого нет представительства в галерее или институциональной поддержки, эти пространства могут стать источником вдохновения и поддержки. Социальные сети могут стать гарантией признания в мире, где профессиональные возможности всё больше связаны с цифровым присутствием. Большое количество подписчиков в интернете может привести к получению фриланс-заказов, сотрудничеству и даже предложениям о работе. Однако это обещание видимости имеет свою цену.
Соцсети — это не нейтральные пространства. Они созданы для максимального вовлечения и делают это, используя поведенческую психологию, предлагая вознаграждения (лайки, комментарии, репосты) в обмен на контент. Для художников это может искажать творческую мотивацию. Момент завершения картины больше не личный повод для размышлений, это потенциальный провал в контексте осмысления. Граница между подлинным удовлетворением и внешним признанием размывается. Изменение подхода может помочь художникам поддерживать более здоровые отношения с социальными сетями. Вот несколько стратегий, которые могут стать полезными:
1.) Отложите публикацию: закончив работу, не публикуйте её сразу. Подождите несколько недель. А ещё лучше — начните трудиться над следующей работой и опубликуйте предыдущую только после того, как последующая будет готова. К тому времени, как она появится в сети, вы уже отстранитесь от эмоционального желания получить признание.
2.) Пакетная публикация: если вы формируете портфолио, создайте список готовых работ. Затем публикуйте их с интервалами, используя план, не привязанный к вашему текущему настроению. Это позволит избежать разочарования в том случае, если вы не достигнете признания.
3.) Используйте свой собственный веб-сайт: социальные сети процветают за счёт бесплатного контента. Компании получают огромную прибыль от неоплачиваемого труда креативщиков. Лишь немногие пользователи действительно зарабатывают на самой платформе. Владение собственным веб-сайтом даёт вам контроль над архивом, макетом и данными. Это освобождает вашу работу от системы, построенной на слежке и эксплуатации. Кроме того, у вас всегда остаётся возможность наказать тех, кто ворует идеи.
4.) Переосмыслите свои цели: спросите себя, почему вы чем-то делитесь с неизвестными вам людьми? Это делается для взаимодействия с сообществом, для архивации своих работ или для продвижения себя? Чёткое понимание своих намерений поможет вам противостоять навязчивому желанию публиковать посты со своими работами.
Социальные сети сами по себе не плохи! Они позволяют общаться с художниками, которыми можно восхищаться, они документируют личный прогресс и даже позволяют продавать картины в оффлайне. Но система не учитывает частное благополучие. Платформы процветают, но и их сервера иногда «падают», а часть файлов при этом исчезает. Личный сайт, напротив, отрабатывает своё назначение иногда медленнее… но стабильнее и надёжнее. Вы контролируете повествование, изображения, личный опыт, часто переосмысливая его. Живописцы постоянно вынуждены делиться своими мыслями, творческим процессом и результатами труда, в обмен на видимость и узнавание. Это профессия, достойная внимания. Замедление темпа, возвращение конфиденциальности и публикация с намерением — это небольшие акты сопротивления системе, которая процветает за счёт постоянного производства нового контента. А настоящее искусство требует времени. Его ценность не определяется алгоритмом.